Podcasts sur l'histoire

"Danse avec les loups" en avant-première au cinéma



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Le 4 novembre 1990, Dance avec les loups, un film sur un soldat de l'époque de la guerre de Sécession et un groupe d'Amérindiens Sioux mettant en vedette Kevin Costner et marquant également ses débuts de réalisateur, présenté en avant-première à Los Angeles. Le film, qui a ouvert ses portes aux États-Unis le 21 novembre 1990, a été un succès surprise au box-office et a remporté 12 nominations aux Oscars, dont celle du meilleur acteur pour Costner. Dance avec les loups a remporté sept Oscars, dont celui du meilleur film et du meilleur réalisateur, et a consolidé la place de Costner sur la liste A d'Hollywood.

Costner est né le 18 janvier 1955 à Lynwood, en Californie, et au début des années 1980, il avait accumulé une petite liste de génériques de films. Il a été jeté dans le hit de 1983 Le grand frisson, mais toutes ses scènes ont été coupées avant la sortie du film. Costner a ensuite co-vedette dans Silverado (1985), avec Kevin Kline et Danny Glover; Les Incorruptibles (1987), avec Sean Connery, Andy Garcia et Robert De Niro ; et Sans issue (1987), avec Gene Hackman et Sean Young. Costner a ensuite décroché l'or au box-office avec les films de baseball Taureau Durham (1988), dans lequel il tient le rôle-titre aux côtés de Susan Sarandon, et Champ de rêves (1989), dans lequel il incarne un agriculteur qui construit un terrain de baseball dans son champ de maïs. Champ de rêves a été nominé pour trois Oscars, dont celui du meilleur film.

Dans les années 1990 Dance avec les loups, Costner a joué le lieutenant John Dunbar de l'armée de l'Union, qui se rend dans un poste occidental désolé, se lie d'amitié avec ses voisins sioux et devient finalement membre honoraire de leur tribu. Basé sur un roman de Michael Blake, le film a été tourné sur place, principalement dans le Dakota du Sud, et contenait des dialogues Lakota avec des sous-titres en anglais.


Prince Igor

Prince Igor (russe : Князь Игорь , tr. Knyáz Igor Ecoutez ( aide · infos ) ) est un opéra en quatre actes avec un prologue, écrit et composé par Alexandre Borodine. Le compositeur a adapté le livret de l'épopée russe antique L'Hôte Lai d'Igor, qui raconte la campagne du prince russe Igor Sviatoslavich contre les envahisseurs des tribus Cuman ("Polovtsian") en 1185. Il a également incorporé des éléments tirés de deux chroniques médiévales de Kiev. L'opéra est resté inachevé à la mort du compositeur en 1887 et a été édité et complété par Nikolai Rimsky-Korsakov et Alexander Glazunov. Il a été joué pour la première fois à Saint-Pétersbourg, en Russie, en 1890.


Production

Écrit à l'origine comme un script de spécification par Michael Blake, il n'a pas été vendu au milieu des années 1980. Cependant, Kevin Costner avait joué dans le seul film précédent de Blake, Les chevaliers de Stacy (1983), et encourage Blake au début de 1986 à transformer le scénario occidental en roman pour améliorer ses chances d'être produit. Le roman a été rejeté par de nombreux éditeurs mais finalement publié en livre de poche en 1988. Les droits ont été achetés par Costner, en vue de le diriger. Γ]

La production réelle a duré quatre mois, du 18 juillet au 23 novembre 1989. La plupart du film a été tourné sur place dans le Dakota du Sud, principalement dans des ranchs privés près de Pierre et Rapid City, avec quelques scènes tournées dans le Wyoming. Les emplacements spécifiques comprenaient le parc national des Badlands, les Black Hills, la zone sauvage de Sage Creek et la région de la rivière Belle Fourche. Les scènes de chasse au bison ont été filmées au Triple U Buffalo Ranch à l'extérieur de Fort Pierre, dans le Dakota du Sud, tout comme les scènes de Fort Sedgewick, le décor étant construit sur la propriété. Γ]


Elle est la fille de Kevin et de sa première épouse, Cindy.

La chasse au bison, à l'aide de 3 500 bisons, 20 wranglers, 24 cascadeurs amérindiens à cru et 150 figurants, a pris trois semaines à filmer (avec sept caméras) au Triple U Buffalo Ranch à l'extérieur de Fort Pierre, dans le Dakota du Sud. Costner, qui a fait la plupart de ses propres randonnées à cheval, s'est presque cassé le dos lors d'une chute.

Kevin Costner dans une scène du film &aposDances With Wolves&apos, 1990

Tig Productions/Getty Images


LE THÉÂTRE COOPER

Le Cooper Theatre de St. Louis Park a ouvert ses portes le 8 août 1962 au 5755 Wayzata Blvd. Hubert Humphrey et sa femme étaient les co-animateurs de la grande ouverture sur invitation uniquement. Les administrateurs de la Fondation Cooper (voir Autres théâtres ci-dessous) ont organisé un dîner à l'hôtel Radisson avant la projection de "Le monde merveilleux des frères Grimm". George Pal, producteur du film MGM, était au dîner et la projection du film, qui fut le premier film de Cinerama à raconter une histoire.

L'installation de 1 million de dollars a été construite sur 32 acres par Anderson-Cherne Construction. Il comportait des sièges à gradins en peluche (mohair?) Pour 808 personnes (dont 146 dans la mezzanine) et le lot contenait 400 voitures. Les Minneapolis Daily Herald décrit le théâtre :

Un foyer de 3 000 pieds carrés lambrissé de noyer est décoré de briques noires avec un tissu d'ameublement aigre-doux (orange brûlé) et un plafond en plâtre acoustique bleu ciel. Un tapis à motifs avec un fond bleu profond se trouve sous les pieds. L'entracte peut être fumé dans un patio extérieur spécial, séparé du foyer par une vitre du plafond au sol. Il dispose d'une cheminée extérieure en briques noires et d'une fontaine éclairée. La maçonnerie en briques romaines noires forme la base de l'extérieur du bâtiment circulaire, surmonté de Monopanels préfabriqués de couleur aigre-douce.

Le théâtre a été méticuleusement entretenu et le hall aurait été repeint tous les mois. L'écran était le plus grand jamais installé : 35 pieds de haut avec une courbe de 105 pieds de large. L'auditorium a été décrit par le Tribune des étoiles comme un « cercle parfait sans matériel tremblant ». Un wag a dit qu'il était hanté par un ouvrier qui est mort en le construisant. Il y avait des plates-formes fumeurs sur les côtés. Les ouvreuses portaient des uniformes - des robes noires avec des perles - et des costumes spéciaux pour des films spéciaux. Une ancienne ouvreuse se souvient avoir porté des jupes à cerceaux pour « Autant en emporte le vent ». .

Le théâtre était l'un des trois dans le pays à être spécialement équipé pour Cinerama (voir le bas de cette page pour plus d'informations sur les deux autres).

Cinerama n'était pas nouveau en 1962, en fait, il avait dix ans. Cinerama a utilisé trois projecteurs de films synchronisés pour réaliser une image panoramique. "This is Cinerama" a été créé le 30 septembre 1952 au Broadway Theatre de New York. Il a ouvert ses portes en avril 1954 au Century Theatre au 38 So. 7th Street près de Nicollet au centre-ville de Minneapolis, et était le seul théâtre à le montrer dans le Minnesota, les Dakotas, l'Iowa ou le Wisconsin. The Century n'aurait été que le 11e théâtre du pays à projeter un film de Cinerama. Le nouvel écran mesurait 72 pieds sur 28 pieds. Un article du 19 mai 1954, Park High Écho présentait un article intitulé « Une nouvelle invention de film maintenant à l'affiche dans la ville ». L'article décrivait avec précision le processus :

L'image elle-même est jouée sur un gigantesque écran incurvé, donnant au spectateur une impression de participation réelle à la scène qui l'entoure.

“This Is Cinerama,” le seul film sorti à ce jour sur ce support, est un récit de voyage. Commençant par un tour de montagnes russes tourbillonnant, la scène passe à une belle cathédrale, aux canaux de Venise et aux Everglades de Floride, entre autres, et se termine par une visite en avion de l'ensemble des États-Unis.

Une controverse fait rage à Hollywood sur d'autres productions de Cinerama. La dernière décision est de continuer à publier des photos de voyage.

C'est Cinerama fermé le 26 juillet 1955 et un nouveau film, Louis de Rochemont, "Cinerama Holiday", a fait ses débuts au Century. En 1963, 70 mm est installé au Century pour la projection de Cléopâtre, qui y est présentée pendant plus d'un an. Après une autre longue série de "The Unsinkable Molly Brown", le théâtre a été fermé à l'automne 1964 et un incendie a ravagé le bâtiment quelques semaines plus tard. Il a été démoli en février 1965.

1963

JALONS DU THÉÂTRE COOPER

Une liste de tous les films qui ont joué le Cooper, le Cooper Cameo et Cooper 1 et 2 a été compilée par trois projectionnistes qui ont travaillé le Cooper : Francis May, Joseph T. Lewis et Michael J. Varani. Fran May et Joe Lewis ont travaillé sur le Cooper dès le premier jour en tant que membres de l'équipe originale de Cinerama. Mike a été embauché lorsque Fran May a pris sa retraite en 1980. Joe Lewis a travaillé avec Mike à temps partiel jusqu'à sa retraite en 1987. Mike a compilé tous les films et les brefs changements d'équipement et de propriété de 1980 à la fermeture de 1991. Fran et Joe sont responsables du contenu de 1962 à septembre 1980.

Voici quelques jalons de l'histoire du théâtre, pris avec la permission de la base de données.

Le premier film diffusé était le "Monde merveilleux des frères Grimm", le 9 août 1962. L'annonce dans le journal de Minneapolis comportait une liste d'endroits dans les villes périphériques où l'on pouvait acheter des billets, et un coupon que l'on pouvait envoyer pour acheter des billets à l'avance. Lorsque le Cooper jouait à Cinerama, c'était un « ticket dur », ce qui signifie qu'un client achetait un billet pour un siège spécifique.

“How the West was Won” a été montré en 1963-64.

Image reproduite avec l'aimable autorisation de Mike Varani

La première locale de “Airport” a eu lieu au Cooper, le ou vers le 5 mars 1970. L'événement était une collecte de fonds pour la Minnesota Association for Retarded Children, recueillant 30 000 $. Les Humphrey étaient présents, tout comme les célébrités locales Johnny Canton et Nancy Nelson, qui étaient dans le film. Jacqueline Bisset était également présente, et certains clients sont arrivés par petits avions qui ont atterri directement sur le terrain. Un avion était sur le terrain pendant toute la durée du film.

Contrôle à l'aéroport, 18 mars 1970. Photo de William Seaman, Minneapolis Star Tribune

Le 25 décembre 1975, le Cameo Theatre a ouvert ses portes. Ce théâtre plus petit (300 places) a été construit sur la structure existante – le grand écran n'a jamais été divisé.

Une unité Dolby CP 100 a été installée en décembre 1978.

Le 19 novembre 1979, le théâtre a été acquis par Plitt North Central Theatres.

En avril 1982, un nouvel écran et une chaîne stéréo Dolby CP 50 sont installés.

Le 12 novembre 1982, le nom Cameo a été abandonné et les théâtres étaient connus sous le nom de Cooper 1 et 2.

Le 7 novembre 1985, le St. Louis Park Cooper Theatre a été le théâtre de la première de « That Was Then, This is Now », un film basé sur un livre de S.E. Hinton et co-vedette Emilio Estevez. EE n'y a pas participé.

Le 22 novembre 1985, Cineplex Odeon a acquis les cinémas Plitt North Central.

Les 22 et 23 juin 1987, Screen 1 a fermé pour installer Xenon et Platter.

Mais le marché de Cinerama était limité et une nouvelle et meilleure technologie est apparue. Le théâtre est tombé en ruine car les recettes ne pouvaient pas suivre les coûts d'entretien. Les propriétaires n'avaient plus les moyens de l'exploiter et le glas a sonné. L'ouverture du complexe Willow Creek Odeon, à seulement cinq kilomètres de là, n'a pas arrangé la situation. Beaucoup, y compris l'architecte Gail S. Anderson, ont déployé des efforts concertés mais infructueux pour le sauver en tant que monument historique national ou d'État, mais la structure n'avait pas encore 50 ans. Le parc Saint-Louis n'avait pas d'ordonnances similaires, le théâtre était donc terminé.

Les deux derniers films, "Danse avec les loups" sur grand écran et "Parrain III" sur petit écran, ont été diffusés le 31 janvier 1991. Un correspondant qui a assisté à "Parrain III", qui est sorti après "Danse avec les loups", il a été dit qu'en sortant, ils enlevaient déjà les lustres et autres décorations, mais cela a été contesté.

La propriété, maintenant à seulement 2,2 acres, a été rasée en septembre 1992, à l'époque pour faire place à un restaurant Olive Garden appartenant à General Mills. Olive Garden est allé ailleurs, cependant, et le site est maintenant Stahl Construction.

Pour un site Web qui contenait au moins des images, voir www.cinematreasures.org/theater/930

Lost Twin Cities III a un segment sur le Cooper qui a beaucoup de superbes photos du bâtiment ainsi qu'une vidéo de sa démolition. Voir leur site Web pour une galerie de photos, certaines du gardien de la flamme Mike Varani.

Photo de David Przetycki

1977

1977

1987 Photo avec l'aimable autorisation de Danny Amis

Le Cooper à l'automne 1990 - photo avec l'aimable autorisation de Rob Butler

AUTRES THÉÂTRES COOPER CINERAMA

Il y avait deux autres théâtres presque identiques construits à la même époque, tous par la Cooper Foundation à but non lucratif de Lincoln, Nebraska, une organisation caritative et éducative créée en 1934 par Joseph H. Cooper, propriétaire de théâtre de longue date et ancien partenaire de Paramount Des photos. La Fondation soutient des organisations à but non lucratif dans le comté de Lincoln et de Lancaster, dans le Nebraska. La fondation possédait et exploitait autrefois 15 cinémas dans le Colorado, le Nebraska, l'Oklahoma et le Missouri. Il a vendu ses intérêts de théâtre en 1975.

Les théâtres ont été conçus par l'architecte Richard L. Crowther de Denver. Les plans originaux des théâtres se trouvent dans le département des collections spéciales de la bibliothèque publique de Denver.

Le premier Cooper Theatre était situé au 860 S. Colorado Blvd. à Denver. Il a ouvert ses portes le 9 mars 1961. Il comportait un écran à persiennes de 146 degrés (mesurant un énorme 105 pieds sur 35 pieds), 814 sièges, des salons de courtoisie sur les côtés du théâtre pour se détendre pendant l'entracte (y compris des installations fumeurs) et un plafond qui acheminait l'air et le chauffage à travers de petites fentes d'aération afin d'inhiber le bruit de l'équipement de ventilation du bâtiment. Il a été démoli en 1994 pour faire place à une librairie Barnes & Noble.

Le troisième théâtre Cinerama construit par Cooper, l'Indian Hills Theatre, a ouvert ses portes en décembre 1962 à Omaha. Rapports de Wikipédia :

Le théâtre d'Indian Hills a fermé le 28 septembre 2000, à la suite de la faillite de Carmike Cinemas, et le dernier film présenté était le drame musical rap, "Turn It Up". conservateurs locaux, soutenus par des acteurs de cinéma et l'industrie cinématographique, notamment Kirk Douglas, Charlton Heston, Janet Leigh, Ray Bradbury, le National Trust for Historic Preservation et l'American Society of Cinematographers, le propriétaire, Nebraska Methodist Health Systems, Inc., est allé avant la démolition le 20 août 2001, afin de libérer un espace de stationnement pour ses bureaux administratifs. (Ironiquement, le 8 août, la Commission de préservation du patrimoine des monuments d'Omaha a voté à l'unanimité pour recommander au conseil municipal d'Omaha que les collines indiennes soient désignées monument de la ville d'Omaha. Le bâtiment a de toute façon été détruit avant que le conseil ne se réunisse pour prendre des mesures. ) La disparition du théâtre et les efforts pour préserver les autres à travers le pays sont relatés dans le documentaire de Jim Fields “Preserve Me a Seat.”


Contenu

En 1863, le 1er lieutenant John J. Dunbar est blessé au combat à St. David's Field dans le Tennessee. Préférant la mort au combat plutôt que l'amputation de son pied, il prend un cheval et monte et longe les lignes confédérées. Les forces confédérées lui tirent dessus à plusieurs reprises et le ratent, et l'armée de l'Union profite de la distraction pour organiser une attaque réussie. Dunbar reçoit à la fois une citation pour bravoure et des soins médicaux qui lui permettent de garder son pied. Il reçoit par la suite Cisco, le cheval qui l'a porté lors de sa tentative de suicide, et son choix d'affectation. Dunbar demande un transfert vers la frontière ouest, afin qu'il puisse le voir avant qu'il ne disparaisse.

Dunbar est transféré à Fort Hays, un grand fort commandé par le major Fambrough, un officier déséquilibré qui méprise l'enthousiasme de Dunbar. Il accepte de poster Dunbar à l'avant-poste le plus éloigné sous sa juridiction, Fort Sedgwick, et se tue peu de temps après. Dunbar voyage avec Timmons, un ravitailleur de muletiers. Ils arrivent pour trouver le fort désert. Malgré la menace des tribus indigènes voisines, Dunbar choisit de rester et de s'occuper lui-même du poste.

Il commence à reconstruire et à réapprovisionner le fort, et préfère la solitude, notant nombre de ses observations dans son journal. Timmons est tué par Pawnee sur le chemin du retour à Fort Hays. La mort de Timmons et de Fambrough empêche les autres soldats de connaître la mission de Dunbar, et aucun autre soldat n'arrive pour renforcer le poste.

Dunbar rencontre ses voisins sioux lorsqu'ils tentent de voler son cheval et de l'intimider. Décidant qu'être une cible est une mauvaise perspective, il décide de rechercher le camp Sioux et de tenter le dialogue. Sur son chemin, il rencontre Stands with a Fist, la fille adoptive blanche du guérisseur de la tribu Kicking Bird, qui se mutile rituellement tout en pleurant son mari. Dunbar la ramène chez les Sioux pour récupérer. Bien que la tribu soit initialement hostile, certains des membres commencent bientôt à le respecter.

Finalement, Dunbar établit une relation avec Kicking Bird, le guerrier Wind in His Hair et le jeune Smiles a Lot, se rendant d'abord dans les camps de l'autre. La barrière de la langue les frustre, et Stands with a Fist fait office d'interprète, quoique avec difficulté. Elle ne se souvient que d'un peu d'anglais de sa petite enfance avant que le reste de sa famille ne soit tué lors d'un raid sur Pawnee.

Dunbar découvre que les histoires qu'il avait entendues sur la tribu étaient fausses, et il développe un respect et une appréciation croissants pour leur mode de vie et leur culture. Apprenant leur langue, il est accepté comme invité d'honneur par les Sioux après leur avoir parlé d'un troupeau de buffles en migration et participé à la chasse. À Fort Sedgwick, Dunbar se lie d'amitié avec un loup qu'il surnomme « Deux chaussettes » pour ses pattes de devant blanches. Observant Dunbar et Two Socks se poursuivant, les Sioux lui donnent le nom de "Danse avec les loups". Pendant ce temps, Dunbar noue également une relation amoureuse avec Stands with a Fist et aide à défendre le village contre une attaque de la tribu rivale Pawnee. Dunbar obtient finalement l'approbation de Kicking Bird pour épouser Stands with a Fist et abandonne Fort Sedgwick.

En raison de la menace croissante des Pawnee et des États-Unis, le chef Ten Bears décide de déplacer la tribu dans son camp d'hiver. Dunbar décide de les accompagner, mais doit d'abord récupérer son journal à Fort Sedgwick, car il se rend compte que cela fournirait à l'armée les moyens de retrouver la tribu. À son arrivée, il trouve le fort réoccupé par l'armée américaine. À cause de ses vêtements sioux, les soldats ouvrent le feu, tuant Cisco et capturant Dunbar, l'arrêtant comme traître.

Deux officiers l'interrogent, mais Dunbar ne peut pas prouver son histoire, car un caporal a trouvé son journal et l'a gardé pour lui. Ayant refusé de servir d'interprète aux tribus, Dunbar est accusé de désertion et transporté dans l'est en tant que prisonnier. Les soldats de l'escorte tirent sur Two Socks lorsque le loup tente de suivre Dunbar, malgré les tentatives de Dunbar d'intervenir.

Finalement, les Sioux traquent le convoi, tuant les soldats et libérant Dunbar. Ils affirment qu'ils ne le voient pas comme un homme blanc, mais comme un guerrier sioux appelé Dances with Wolves. Au camp d'hiver, Dunbar décide de partir avec Stands with a Fist parce que sa présence continue mettrait en danger la tribu. Alors qu'ils partent, Smiles a Lot renvoie le journal, qu'il a récupéré lors de la libération de Dunbar, et Wind in His Hair crie à Dunbar, lui rappelant qu'il est l'ami de Dunbar, un contraste avec leur rencontre d'origine où il a crié à Dunbar avec hostilité.

Des troupes américaines sont vues en train de fouiller les montagnes, mais ne peuvent localiser Dunbar ou la tribu, tandis qu'un loup solitaire hurle au loin.

Épilogue Modifier

Treize ans plus tard - leurs maisons détruites, leurs bisons disparus - la dernière bande de Sioux libres soumis à l'autorité blanche à Fort Robinson, Nebraska. La grande culture équestre des plaines avait disparu et la frontière américaine allait bientôt passer dans l'histoire.

    comme Lt. John J. Dunbar/Danses avec les loups (Lakota : Šuŋgmánitu Tȟáŋka Ób Wačhí) comme Stands with a Fist/Christine Gunther (Napépȟeča Nážiŋ Wiŋ) comme Kicking Bird (Ziŋtká Nagwáka) comme Wind in His Hair (Pȟáehíŋ) comme chef Dix ours (Matȟó Wikčémna) comme Black Shawl (Šiná Sápa Wiŋ) comme Stone Calf (Íŋyaŋ Ptehíŋčala) comme Smiles a Lot (Iȟá S'a) comme Otter (Ptáŋ)
  • Jason R. Lone Hill comme Worm (Waglúla) comme lieutenant Elgin comme Timmons
  • Tony Pierce dans le rôle de Spivey
  • Larry Joshua dans le rôle de Bauer dans le rôle d'Edwards dans le rôle du sergent Pepper dans le rôle du major Fambrough dans le rôle de Toughest Pawnee
  • Wayne Grace en tant que major en tant que capitaine Cargill (version étendue)
  • Doris Leader Charge comme Pretty Shield, l'épouse du chef Ten Bears
  • Donald Hotton dans le rôle du général Tide
  • Frank P. Costanza comme Tucker
  • Annie Costner comme Christine Gunther comme un enfant
  • Otakuye Conroy en tant que fille de Kicking Bird en tant que docteur (non crédité)

Écrit à l'origine comme un script spéculatif par Michael Blake, il est resté invendu au milieu des années 1980. Cependant, Kevin Costner avait joué dans le seul film précédent de Blake, Les chevaliers de Stacy (1983), et encourage Blake au début de 1986 à transformer le scénario occidental en roman pour améliorer ses chances d'être produit. Le roman a été rejeté par de nombreux éditeurs, mais a finalement été publié en livre de poche en 1988. Les droits ont été achetés par Costner, en vue de le diriger. [7]

Costner et son partenaire de production, Jim Wilson, ont eu du mal à lever des fonds pour le film. Le projet a été refusé par plusieurs studios en raison du fait que le genre occidental n'était plus populaire comme il l'était dans les années 1980 à la suite du box-office désastreux de La porte du Paradis (1980), ainsi que la longueur du scénario. Après que le projet ait langui chez Nelson Entertainment et Island Pictures pour des raisons budgétaires, Costner et Wilson ont engagé le producteur Jake Eberts pour gérer les droits étrangers dans plusieurs pays afin que Costner conserve les droits de montage final. [8] Les deux ont fait alors un accord avec Orion Pictures, dans lequel le studio distribuerait le film en Amérique du Nord. [8]

La production réelle a duré du 18 juillet au 23 novembre 1989. La plupart du film a été tourné sur place dans le Dakota du Sud, principalement dans des ranchs privés près de Pierre et Rapid City, avec quelques scènes tournées dans le Wyoming. Les emplacements spécifiques comprenaient le parc national des Badlands, les Black Hills, la zone sauvage de Sage Creek et la région de la rivière Belle Fourche. Les scènes de chasse au bison ont été tournées au Triple U Buffalo Ranch à l'extérieur de Fort Pierre, dans le Dakota du Sud, tout comme les scènes de Fort Sedgewick, le décor étant construit sur la propriété. [7]

Défiant les attentes, Dance avec les loups s'est avéré instantanément populaire, gagnant finalement un grand succès critique, faisant 184 millions de dollars au box-office américain et 424 millions de dollars au total dans le monde. [9] Au 13 juillet 2019 [mise à jour] , le film détient une note d'approbation de 83% sur Rotten Tomatoes, sur la base de 76 critiques, avec une note moyenne de 7,58/10. Le consensus critique du site Web se lit comme suit : "Une épopée grandiose et radicale avec des intentions incontestablement nobles et une cinématographie saisissante, mais dont le centre, sans doute, n'est pas aussi important qu'il devrait l'être." [10] Metacritic a donné au film un score de 72 sur 100 basé sur 20 critiques, indiquant "les critiques généralement favorables". [11] CinemaScore a rapporté que le public a donné au film une rare note "A+". [12]

Dance avec les loups a été nommé l'un des 10 meilleurs films de 1990 par plus de 115 critiques et a été nommé meilleur film de l'année par 19 critiques. [13] Seulement Goodfellas a été inclus sur plus de listes en 1990. [ citation requise ]

En raison de la popularité du film et de son impact durable sur l'image des Amérindiens, la nation Sioux a adopté Costner en tant que membre honoraire. [14] Lors de la 63e cérémonie des Oscars en 1991, Dance avec les loups a remporté 12 nominations aux Oscars et en a remporté sept, dont celles du meilleur scénario, du meilleur scénario adapté]] (Michael Blake]), du meilleur réalisateur (Costner) et du meilleur film. En 2007, la Bibliothèque du Congrès a sélectionné Dance avec les loups pour conservation dans le National Film Registry des États-Unis. [15]

L'activiste et acteur amérindien Russell Means a critiqué la précision technique du film. En 2009, il a dit : « Souvenez-vous Laurence d'Arabie? C'était Lawrence des Plaines. Ce qui est étrange dans la réalisation de ce film, c'est qu'ils avaient une femme qui enseignait aux acteurs la langue Lakota, mais Lakota a une langue masculine et une langue féminine. Certains autochtones et Kevin Costner parlaient au féminin. Quand je suis allé le voir avec un groupe de gars Lakota, nous riions. » [16] D'autres Amérindiens, tels que Michael Smith (Sioux), le directeur du Festival annuel du film indien de San Francisco, ont déclaré : « Il y a beaucoup de bons sentiments à propos du film dans la communauté autochtone, surtout parmi les tribus. Je pense que ça va être très difficile de surpasser celui-ci." [17]

Certaines critiques ont été inspirées par le fait que la prononciation n'est pas authentique, puisqu'un seul des acteurs était un locuteur natif de la langue. Les dialogues dans la langue maternelle ont été salués comme une réalisation remarquable. [18] D'autres écrivains, cependant, ont noté que des films antérieurs autrement en anglais, tels que esquimau (1933), Maître de wagon (1950), et L'Aube Blanche (1974) avaient également incorporé le dialogue autochtone. [19]

Distinctions Modifier

En plus d'être le premier western à remporter un Oscar du meilleur film depuis les années 1931 Cimarron, [20] Dance avec les loups a remporté un certain nombre de prix supplémentaires, ce qui en fait l'un des films les plus honorés de 1990. [21]

Médias domestiques Modifier

Le film sort en home video aux Etats-Unis en septembre 1991 et bat le record de location établi par Fantôme, louant 649 000 unités. [22] Dance avec les loups est sorti sur Blu-ray et DVD le 11 janvier 2011, et a été réédité sur Blu-ray le 13 janvier 2015 et à nouveau le 13 novembre 2018. [23]

La route sainte, une suite du roman de Michael Blake, l'auteur à la fois du roman original et du scénario du film, a été publié en 2001. [24] Il reprend 11 ans après Dance avec les loups. John Dunbar est toujours marié à Stands with a Fist et ils ont trois enfants. Stands with a Fist et l'un des enfants sont kidnappés par un groupe de rangers blancs, et Dances with Wolves doit organiser une mission de sauvetage. En 2007, Blake écrivait une adaptation cinématographique. [25] Costner, qui a refusé de faire des suites à l'un de ses films, y compris Les Incorruptibles, a déclaré qu'il ne participerait pas à cette production. [26] Un troisième livre intitulé Le Grand Mystère était prévu, mais Blake est décédé en 2015.

Judith A. Boughter a écrit : « Le problème avec l'approche de Costner est que tous les Sioux sont héroïques, tandis que les Pawnees sont dépeints comme des méchants stéréotypés. des Sioux les plus puissants." [27]

L'histoire et le contexte de Fort Hays sont radicalement différents de ceux décrits dans le film. L'historique Fort Hays a été fondé en 1867, avec la construction immédiate du blockhaus en pierre emblématique. [28] Son prédécesseur, le fort Fletcher (1865-1868), a été abandonné pendant quelques mois seulement, puis déplacé à une courte distance en 1866. [29] Fort Hays a été fondé en territoire Cheyenne plutôt qu'en Sioux. Plutôt qu'un site désolé, le fort a accueilli dès le début des milliers de soldats, de cheminots et de colons. Le chemin de fer du Kansas Pacific et les colonies de Rome et de Hays City ont été construits à côté du fort en 1867, chacun étant perçu comme une violation du territoire de Cheyenne et d'Arapaho, entraînant une guerre immédiate avec les Dog Soldiers. [30] Le fort était le quartier général de Sheridan au centre du conflit de 1867-68. Un village historique saisonnier de tipis Pawnee était situé à seulement 14 km de Fort Hays, mais les Pawnee en avaient été exclus par d'autres tribus dominantes pendant un certain temps dans les années 1860. [31] [32]

Le vrai John Dunbar a travaillé comme missionnaire chrétien parmi les Pawnee dans les années 1830-1840 et s'est rangé du côté des Amérindiens dans un différend avec les agriculteurs du gouvernement et un agent indien local. [33] On ne sait pas si le nom « John Dunbar » a été choisi comme corollaire du personnage historique. [34]

Le lieutenant fictif John Dunbar de 1863 est correctement montré dans le film portant une barre d'or sur les bretelles de son officier, indiquant son rang de premier lieutenant. De 1836 à 1872, le grade de premier lieutenant était indiqué par une barre d'or après 1872, le grade était indiqué par une barre d'argent. De même, le capitaine Cargill est correctement représenté portant une paire de lingots d'or, indiquant le grade de capitaine à cette époque. [35]

Dans une interview, l'auteur et scénariste Michael Blake a déclaré que Stands with a Fist, la femme captive blanche qui épouse Dunbar, était en fait basé sur l'histoire de Cynthia Ann Parker, la fille blanche capturée par les Comanches et mère de Quanah Parker. [36]

Un an après la sortie en salles originale de Dance avec les loups, une version de quatre heures du film a été présentée dans certains cinémas de Londres. Cette coupe plus longue était intitulée Danse avec les loups : l'édition spéciale, et il a restauré près d'une heure de scènes qui avaient été supprimées pour maintenir la durée d'exécution du film original à moins de 3 heures. [37] Dans une lettre aux critiques de cinéma britanniques, Kevin Costner et le producteur Jim Wilson ont expliqué les raisons pour lesquelles ils présentaient une version plus longue du film :

Pourquoi ajouter une heure de plus à un film qui, selon la plupart des normes, repousse la limite de temps de la réalisation de films conventionnels ? Les 52 minutes supplémentaires que représente cette "nouvelle" version ont été difficiles à couper au départ, et . l'opportunité de les présenter au public est convaincante. Nous avons reçu d'innombrables lettres de personnes du monde entier nous demandant quand ou si une suite serait faite, il nous a donc semblé logique d'améliorer notre film avec des séquences existantes. faire une version étendue n'implique en aucun cas que l'original Dance avec les loups était inachevé ou incomplet plutôt, cela crée une opportunité pour ceux qui sont tombés amoureux des personnages et du spectacle du film de faire l'expérience des deux. [38]

La genèse de la version de 4 heures du film a été expliquée plus en détail dans un article pour Divertissement hebdomadaire qui est apparu 10 mois après la première du film original. "Alors que le petit écran est devenu une seconde chance pour les cinéastes qui ne semblent pas pouvoir laisser partir leurs bébés, Kevin Costner et son partenaire de production, Jim Wilson, espèrent que leur nouvelle version sortira en premier sur les écrans de cinéma."

"J'ai passé sept mois à travailler dessus", dit Wilson à propos de l'extension loups. Il s'empresse de défendre la version oscarisée comme "la meilleure image que nous ayons eue à l'époque", mais Wilson dit également qu'il est "extatique" à propos de la recoupe. "C'est une toute nouvelle image", insiste-t-il. "Il y a maintenant plus de relations entre Kevin et Stands with a Fist, plus avec le loup, plus avec les Indiens, des choses qui font partie intégrante de l'histoire." Bien sûr, les exploitants ne voudront peut-être pas une version plus longue d'un film déjà largement vu, mais Wilson reste optimiste. "Je ne pense pas que le moment soit venu", reconnaît-il, "mais idéalement, il y a un moment où il sortirait avec un entracte, réservé dans les meilleures salles d'Amérique." [39]

Costner a affirmé plus tard qu'il n'avait pas du tout travaillé à la création de la coupe de 4 heures. [40]


Critique du film : ‘Danse avec les loups’

Dans ses débuts de réalisateur, Kevin Costner apporte un degré rare de grâce et de sentiment à ce récit élégiaque d'une aventure de découverte d'un héros parmi les Indiens Sioux dans les plaines immaculées du Dakota des années 1860. Malgré sa durée de trois heures, la photo a de bonnes chances d'être un succès de bouche à oreille et l'une des photos les plus populaires de la saison.

Costner incarne le lieutenant John Dunbar, un officier de l'Union pendant la guerre civile invité à choisir son propre poste après un acte d'héroïsme. Opting for the farthest reaches of the frontier because he “Wants to see it before it disappears,” he transplants himself from a weary and cynical war culture to the windswept clarity of the Dakota plains.

Arriving at the remote outpost assigned him by an insane major (Maury Chaykin), Dunbar finds it deserted and, to the disbelief of his wagon driver (Robert Pastorelli), opts to unload his provisions and stay.

His only company as he passes the days are his horse, a gangling wolf who keeps a nervous distance, and, finally, a Sioux Indian who tries to steal the horse and is frightened off by Dunbar.

Because whites and Indians automatically killed each other upon meeting, each party lived in ignorance of the other. Dunbar’s virtue is that he resists violence, putting himself at risk with the Sioux until they trust him and accept him.

Popular on Variety

Dunbar keeps a journal, hoping to create “a trail for others to follow.” He discovers a culture so deeply refreshing to his spirit, compared with the detritus he’s left behind, that, by the time the U.S. Army bothers to look for him, he has become a Sioux and his name is Dances With Wolves.

Of course, the Union soldiers completely misunderstand his purposes, giving pic the tragic cast this saga historically deserves.

Script by Michael Blake portrays the Sioux culture with appreciation, establishing within it characters of winning individuality and humor. Design team accents the diverse beauty of the actors (all Native Americans) with striking combinations of paint, feathers and deerskin in costuming.

Unfortunately, the script seems to have run out of understanding by the time the Union soldiers arrive to do a job on the “traitor” Dunbar, and portrayal of this loutish and brutal mob, who refuse so much as to hear him out, is pic’s weakest and most manipulative passage.

Still, it makes effective drama and, if interpreted metaphorically, the scene conveys the spirit of rape and plunder that had vanquished the Sioux culture within a mere 13 years of this story’s unfolding, according to the screen epilogue.

Lensed on location in South Dakota over 17 weeks, pic is infused with the natural grandeur of the plains and sky, captured in all their variance by cinematographer Dean Semler.

Score by John Barry makes a major contribution, varying from the elegiac tone of the main theme to the spirited adventure of classic Westerns, to the heart-racing primal rhythms of the buffalo and scalp dances.

Costner’s directing style is fresh and assured. A sense of surprise and humor accompany Dunbar’s adventures at every turn, twisting the narrative gently this way and that and making the journey a real pleasure.

Perhaps he is a bit precious with himself as star. One wonders how many times he’s going to tip over backward in mock defeat to show us he’s a playful guy, or how much masochism he’ll indulge in when Dunbar is imperiled.

But making up for it are scenes of mystical power and beauty, such as Dunbar’s first earth-shaking nighttime encounter with the buffalo as they hurtle past him through the fog.

Contrasting the gentle Sioux with the savage and aggressive Pawnee who made war on them, pic lends a sense of history to their ultimate vanquishment.

Project, first from Costner and co-producer Jim Wilson’s Tig Prods., reps a teaming of three longtime friends — Costner, Wilson and writer Blake, who first collaborated in 1981 on “Stacy’s Knights,” Costner’s first starring pic.

From its three-hour length, which amazingly does not become tiresome, to its bold use of subtitled Lakota language (the Sioux tongue) for at least a third of the dialogue, it’s clear the filmmakers were proceeding without regard for the rules. Their audacity in doing so, because they knew what they had, is as inspiring as the film itself.

Mary McDonnell (“Matewan”) is impressive as Stands With A Fist, an emotionally traumatized white woman adopted by the Sioux who helps Dunbar communicate with them. Her perf is particularly notable for the technical accomplishment of her tremulous, flat-sounding delivery of English, a language she hasn’t heard since early childhood.

Native American actors Graham Greene (as the holy man Kicking Bird) and Rodney Grant (as the warrior Wind In His Hair) give vivid, transfixing performances, bringing much spirit and skill to Orion’s early entry in the Christmas derby.


Bernstein recounts the segregated Atlanta premiere of 'Gone With the Wind'

On Dec. 15, 1939, "Gone With the Wind" premiered in Atlanta at Loew's Grand Theater. It was one of the most momentous occasions in Atlanta history — a star-studded gala with Vivien Leigh, Clark Cable and Olivia de Havilland. But there were some key players missing from the premiere, including Hattie McDaniel, who played Mammy (the first African-American actor to win an Oscar), and Butterfly McQueen, who played Prissy.

Matthew Bernstein, professor and chair of film and media studies at Emory, will discuss how the premiere's segregated Southern location lead to fretful, fearful and complex negotiations between Hollywood companies and city leaders in his lecture " 'Selznick's March': 'The Gone with the Wind' Premiere in Atlanta" on Dec. 1 at 7:30 p.m. in White Hall 205.

Just in time for the film's 75 th anniversary, Bernstein's lecture will provide a detailed exploration, from Hollywood's point of view, of the difficulties involved in mounting this unprecedented extravaganza in a segregated Southern city.

Emory will also host a free screening of the film on Saturday, Dec. 6, at 1 p.m. in White Hall, room 208.

Below are portions of an interview with Matthew Bernstein about the premiere written by Alicia Dietrich for the Harry Ransom Center at the University of Texas at Austin earlier this year.

December marks the 75th anniversary of the premiere of "Gone With the Wind" in Atlanta. Why, all these years later, does this film evoke such a strong response from audiences?

The hold "Gone With the Wind" has over certain audiences is extraordinary. I've known people who moved to Atlanta because of it, and I know people here in Atlanta take great offense if one mounts any criticism of it. There are many reasons for it.

Some are obvious: its landmark status as an Academy Award winner and one of the highest grossing films, adjusted for inflation, in Hollywood history. There is its technical achievement as an extremely well made and spectacular film in one of Hollywood's strongest years — it's simply a great pleasure to watch. There are the terrific casting and performances by the leads and the secondary cast.

But the film has such a hold over audiences for other reasons as well. The film's ambivalent treatment of Scarlett is one — she is a modern, brash woman in a genteel society who flouts convention to get what she wants however she can, with little introspection. The film admires her energy and drive, but simultaneously mocks her selfishness, her pettiness and her pretensions, largely through Rhett Butler's witty and clear-eyed deflation of her airs. She's a classic melodramatic heroine, one who makes so many mistakes in her life and loves and ultimately comes to realize the opportunities she has missed.

Its deepest appeal, I believe, resides in its portrayal of the tremendous loss and suffering Scarlett endures — the film was a source of inspiration to women struggling through the Great Depression and then World War II across the globe. That portrait endures, even as it is woven into the less-than-progressive racial politics typical of the plantation genre of the 1930s (an area where we should note the film is less offensive than Margaret Mitchell's novel).

You spent some time in the Ransom Center's David O. Selznick archive researching the premiere in Atlanta. What surprises did you find?

The Ransom Center has always been one of my favorite places to undertake research. The Selznick collection is exceptional, and I found many surprises. One might have predicted the amount of work and energy that went into staging the premiere, but it was still extraordinary to see the details that had to be attended to. Selznick let his staff plan away, swooping in only at the end to question and in some cases criticize their work. Another big surprise was a letter I found from one Robert Willis, a member of a theater club on one of Atlanta's black college campuses this student invited the Selznick group to visit the black side of the city. No one to my knowledge had discussed this aspect of the premiere. I had read Selznick's last-minute memos about giving Hattie McDaniel a page in the souvenir program for the premiere, but never knew what inspired that. Overall, the most delightful surprise to me was to see the extent to which Margaret Mitchell had Selznick wrapped around her finger. The dynamic there is extremely amusing.

Selznick and his staff worked for months to plan and execute the premiere in Atlanta. Can you talk about why expectations were so high for the film in Atlanta?

As I mentioned, Selznick was not really involved in the plans. He was far too busy attending to the manifold details involved in "Emporté par le vent's" post-production so that the film would be finished in time for the Atlanta premiere. He delegated the overwhelming majority of the work to his story editor, Kay Brown, who worked with Atlantans as well as the MGM distribution executives in charge of the premiere. Selznick fretted on the sidelines, gave Brown some ideas, but his attention was elsewhere until late November.

As for high expectations, in the 1930s, the white citizens of Atlanta craved attention and validation, partly because of the city's destruction during the Civil War, and partly because of its boosterism. It was a growing city that loomed large regionally, but not nationally. To have one of its residents write a Pulitzer Prize-winning international bestseller stirred a wave of civic pride. Atlanta also loved the movies as much as any city in the 1930s, but not many films were set in Georgia. So Georgians were thrilled at the prospect of seeing an epic production that was sympathetic to the state's ordeal during the Civil War and afterwards. Southerners in general felt Hollywood never represented them fairly — here was a film that promised to do so. Add to that the idea that Clark Gable and Vivien Leigh would be on the streets of the city for the premiere and you can see why white Atlantans — officials, business leaders, civic leaders and ordinary citizens — went crazy over this. White Atlantans, that is. Black Atlanta likewise gloried in the presence of the stars, but some leaders questioned the hoopla and the film itself.

There were controversies over race with the premiere in Atlanta, as producers deemed it unsafe for Hattie McDaniel to attend the event and African American audiences were largely excluded from festivities taking place around the city. Can you talk about how Selznick and his staff approached these issues? 

The Loews' Grand where the premiere took place did not have segregated seating. Black Atlantans waited four months until April to see it in a "colored" theater. Selznick recognized that his film could invite strong attendance among African Americans, and even thought that if black cast members came to Atlanta, they could help promote the film in black neighborhoods.  Kay Brown, like the MGM distribution and advertising executives who planned the premiere, relied heavily on certain Atlantans for advice on many issues, including this one. The "Hollywoodians" knew they were way out of their depth on the "delicate" issue of race relations in the South. Most simply, they followed the advice the Atlantans gave them, which was not to include Hattie McDaniel in the festivities or the souvenir book. Regarding the latter, the rationale was that McDaniel's photo in the program might give some malcontent a basis for criticism of the film and the premiere, something they wanted to avoid. Besides, as guests of the city, the Hollywood folks thought they should follow their hosts' suggestions. Kay Brown put it well: "…while it was unfortunate to exclude Mammy, it was the wisest policy."  They made an unsurprising choice in 1939.


ARTICLES LIÉS

He soon found work in the television productions of Lakota Moon and Miracle in the Wilderness.

Credits: The Native American actor had supporting roles in the movies Dancing Fargo and Last of the Dogmen

After a few more stints on the small screen as well as some commercials, Reeves landed parts in the films Twins and The Doors.

Later he appeared in the movie Dances With Wolves and the 2005 version of The Longest Yard.

His television credits also included Walker, Texas Ranger, Jag and Bones.

Beginnings: Reevis was a member of the Blackfeet Tribe and born in Browning, Montana to Lloyd and Lila Reevis (pictured in Fargo)

First Americans in the Arts honored Reeves with an award for his supporting roles in both Fargo and the TV movie Crazy Horse in 1996.

Reevis is survived by his wife, Macile, and four children - sons Joseph, Kyiyo, Pikuni and his daughter Taywanee.

Foster says funeral arrangements are pending.

Warrior: He also appeared in the movies Dances With Wolves and the 2005 version of The Longest Yard


Studios bypass cinemas with lucrative lockdown premieres

A n animated musical extravaganza about a group of pop-loving trolls may turn out to be the most important film in recent Hollywood history. Trolls World Tour, which has become a lockdown hit, notching up digital sales of $100m (£80m) in three weeks, has become the focal point of a battle that could forever change moviegoing habits in the Netflix era.

With cinemas closed, Hollywood studios are challenging the sacrosanct tradition that multiplexes air films first for up to three months, before their release on other platforms such as pay-TV, DVD and streaming. Instead, they are pushing new films straight to fans at home.

Universal Pictures has been the most aggressive of the Hollywood studios with its strategy for Trolls World Tour. The film had been due for a global cinema release on 10 April, but instead became the most high-profile movie to be made available solely on digital services such as Amazon’s Prime Video at £15.99 ($19.99).

Universal gets a greater cut of revenue from digital services than at the box office, which means the film has made the same amount of profit in its first three weeks as the first Trolls film did during its entire five-month run in US cinemas.

Emboldened by its success, last week the company indicated that it would collapse the cinema release window by releasing films digitally at the same time. “As soon as theatres reopen, we expect to release movies on both formats,” said Jeff Shell, the chief executive of parent company NBCUniversal.

Those comments immediately prompted the world’s two biggest cinema operators – AMC, which owns the Odeon chain in the UK, and Cineworld – to issue a global ban on screenings of all films from the maker of the Fast & Furious et Jurassic World franchises when business restarts. The operators accused Universal of “breaking the business model” that has underpinned the Hollywood movie system for generations.

“Universal has cast the first stone,” said Jeff Bock, an analyst at research firm Exhibitor Relations. “This is exactly what the theatrical exhibition world had always feared – proof that bypassing theatres could be a viable model of distribution for studios. Like it or not, the floodgates have opened. This is just the beginning, and the longer it takes for theatres to open on a worldwide scale, we’re going to see the PVOD [premium video on demand] schedule become more and more populated.”

That schedule is now filling up. Universal announced last week that Judd Apatow’s new comedy The King of Staten Island would scrap its planned cinema release on 19 June and premiere on-demand instead. And Warner Bros is doing the same with Scoob!, the first full-length animated Scooby-Doo film, which was meant to hit cinemas on 15 May.

Lockdown hit Trolls World Tour has notched up sales of £80m since its direct-to-digital release for Universal. Photograph: Photo Credit: DreamWorks Animation LLC/AP

However, when it comes to true blockbusters, Hollywood studios, including Universal, are so far choosing to keep them in cinemas and reschedule their releases. The straight-to-digital strategy is only considered to be viable for mid- and lower-budget films forecast to earn at most a few hundred million at the global box office. La première Trolls film made $346m worldwide.

Disney Mulan et Veuve noire, the James Bond film No Time To Die, Warner Bros’s Wonder Woman 1984 and Universal’s Minions sequel – all potential $1bn-plus hits – are just some of the titles that have been shifted to later this year with a cinema release still firmly in mind.

Global box-office revenues hit an all-time record of $42bn last year, dominated by blockbusters including Avengers : Fin de partie. Theatrical release represents a huge slice of income that is difficult for studios to ignore. When a film’s big-screen run is finished, there is a second wave of income from digital and on-demand services this double-window revenue stream would disappear if multiplexes were taken out of the equation.

“Studios are not releasing ‘tier one’ titles on PVOD,” said Richard Broughton, analyst at research firm Ampere. “It’s unlikely that PVOD will be able to replace theatrical revenues for these titles. PVOD releases would also likely cannibalise secondary windows. If you rent a film for £15.99, you’re not then going to rent it again for £5.99 a few months later. But you might do that if you had seen it at the cinema first.”

Scarlett Johansson, star of Black Widow big blockbusters are likely still to premiere in cinemas. Photograph: AP

There are also other issues making a total shift away from cinemas unlikely, for now at least. China, for example, along with many developing countries, has a tiny digital-video rental market, which would severely limit income from direct digital releases, whereas it boasts the world’s second-biggest cinema box office market, at $9bn a year.

And with PVOD releases such as Trolls priced at $19.99, it is unlikely that the strategy will work outside high-income markets such as the US and the UK.

However, coronavirus has sideswiped cinema chains, which means direct-to-digital successes such as Trolls give studios more leverage. "Trolls is operating under optimal conditions – lockdown, kids at home and limited competing media,” says Broughton. “Having said this, the success of Trolls does offer studios leverage with cinema owners for a greater share of box office income for secondary titles. The option of the PVOD window improves their positioning.”

Unless Covid-19 causes longer-term closures or serious attendance issues in cinemas, the chains remain confident they will return to the top of the pecking order for film releases.

“These circumstances will not persist and should not be taken by anyone as a sign of lasting change,” said Phil Clapp, chief executive of the UK Cinema Association, the national trade body for cinema operators.

“We are absolutely confident that when cinemas are able to reopen safely, the public will once again respond to the unsurpassable big-screen experience. After people have been required to spend weeks and sometimes months in lockdown, it seems unlikely, to say the least, that the first response of many will be ‘let’s stay in and watch a film.’”

But if audiences do decide to bypass cinemas and stay in, Hollywood studios will have to follow them.


Voir la vidéo: Avant première du film LOUP avec Nicolas Vanier au Gaumont de Talence (Mai 2022).